AndyWarhol est l`un des artistes les plus importants du XXe siècle, et la principale figure de la Mouvement Pop Art dans les années 60 et 70. Sans son travail, de nombreux artistes du Pop Art n`auraient jamais été aussi populaires et des artistes comme Jeff Koons, Murakami ou Damien Hirst n`auraient jamais trouvé l`inspiration dont ils avaient besoin pour leur art. Cetteœuvre s’inscrit dans le mouvement artistique des années 60 aux n’importe qui peut faire un Warhol-C’est de l’art ou de la pub ? Ce n’est pas du grand art. (high/Low). L’art devient un produit de consommation. -C’est trop superficiel, commerciale. Contexte historique et sociologique : A la fin de la seconde guerre mondiale, les deux préoccupations principales sont articlede Richard Shusterman – art press n°362 (décembre 2009) Le nouveau livre d'Arthur Danto, paru récemment aux États-Unis revient une dernière fois sur l'œuvre et la vie d'Andy Warhol, qui nourrit et accompagna sans cesse la pensée du philosophe analytique. La rencontre transfiguratrice d'Arthur Danto avec les Boîtes Brillo d Fast Money. Andy Warhol est considéré comme le père du pop art, un mouvement artistique qui a émergé au milieu du XXe siècle qui a incorporé les thèmes de la culture de masse dans le répertoire des arts et a brisé l'aura d'intellectualité avec laquelle l'art était assumé, surtout après des mouvements tels que l'expressionnisme abstrait de Jackson Goberge. Warhol était un artiste provocateur et scandaleux, peu soucieux de cacher son intérêt pour l'argent. Son génie réside dans sa capacité à briser les stéréotypes artistiques, à appliquer des critères de communication publicitaire à l'art et à révéler l'hypocrisie du domaine des arts. Dans cet article, nous vous invitons à faire un tour des œuvres les plus emblématiques de l'auteur qui ont marqué un avant et un après dans l'histoire de l'art dit contemporain. Ces œuvres ont donné lieu à de nombreuses et inépuisables discussions sur le rôle et la fonction de l'art à l'époque moderne. Série Boîtes de soupe Campbell's Boîtes de soupe Campbell's. Sérigraphie et polymère synthétique sur tissu. 1962. Qui a dit qu'une boîte de soupe pouvait être un thème artistique? Ce fut l'une des premières polémiques qu'Andy Warhol suscita avec cette œuvre provocatrice. De la reproduction individuelle de la soupe à la formation de la série, Warhol se situe ironiquement devant la réalité de la société de consommation et devant la communauté artistique qui ne veut pas y faire face. Si l'art doit représenter la réalité symbolique ou la condition humaine, pourquoi refuse-t-il de reconnaître la marque omniprésente de l'industrie et de la culture de consommation dans la société? La culture de consommation n'est-elle pas une réalité des mœurs des années 60? Après tout, Warhol lui-même a affirmé avoir mangé cette soupe tous les jours pendant 20 ans. Cet objet de consommation, un aliment industrialisé sans poésie, est devenu un sujet de discussion sur la scène culturelle. Mais l'audace de Warhol n'était pas seule dans le thème choisi. Le mode de représentation et la technique utilisés l'étaient aussi une reproduction en série d'images basée sur la sérigraphie. Avec cela, Warhol porterait un coup dur à deux grands points clés du monde des beaux-arts l'importance du sujet et la valeur de l'objet artistique unique » et original ». Série Marilyn Monroe Série Marilyn Monroe. Sérigraphie. 1967. En 1962, Marilyn Monroe mourut dans la fleur de l'âge. Marilyn était devenue une icône de la culture pop américaine et a exercé une énorme influence sur l'imaginaire social. Mais pas pour cela que Marilyn était pleinement appréciée. Au contraire. Warhol commence une série de portraits de Marilyn Monroe appliquant la technique de la sérigraphie, dans lesquels les éléments suivants sont imprimés à partir d'une image originale. Plus l'image est lue, plus elle devient floue ou déformée. Ainsi, Warhol met en lumière la grande hypocrisie du monde hollywoodien Marilyn était une icône détruite par l'exposition répétée de sa beauté comme valeur supposée unique. Voir également Pop art ou pop art caractéristiques, artistes et œuvres les plus importantes. Autoportrait Autoportrait. Sérigraphie, 1967. Warhol a passé de nombreuses années de sa vie obsédé par l'argent, et cela l'a amené à essayer de s'imposer sur le monde artistique appliquant les règles de la publicité et ignorant délibérément les règles de l'art conventionnel. Ainsi, Warhol s'est traité comme une icône de la culture pop à travers une série d'autoportraits comme le montre l'image. Cependant, l'auteur a appliqué différents concepts et techniques d'autoportrait tout au long de sa vie. Émeute raciale Émeute raciale. Peinture acrylique et sérigraphie sur quatre panneaux de lin. plupart des thèmes explorés par Warhol avaient à voir avec les symboles de la culture pop, qu'il revendique comme thèmes de représentation. Cette caractéristique lui valut la réputation d'être superficiel, mais Warhol n'était pas une personnalité inconsciente de ce qui se passait autour de lui. Après les affrontements raciaux de 1963, Warhol intervient une série d'images provocatrices où dénonce l'hypocrisie d'une nation qui prétend défendre l'égalité mais continue de montrer des signes de discrimination racial. Pour ce faire, Warhol reproduit une photographie des événements et intervient avec les couleurs bleu, rouge et blanc, typiques du drapeau américain. Le geste serait frontal si la culture nord-américaine est représentée par la soupe et par Marilyn, la discrimination aussi. Pour réaliser cette œuvre, Warhol s'est approprié une photographie de Charles Moore publiée dans le magazine Vie, qui était un procès pour violation du droit d'auteur. En fait, cette image, ainsi que La Naissance de Vénus d'après Botticelli ou leurs versions du La Joconde révèlent l'un des éléments constitutifs de l'art contemporain depuis la pop Art transformer le monde des beaux-arts s'approprier les symboles disponibles dans l'environnement pour leur donner un nouveau sens. Mao tse tung Série Mao tse tung. Sérigraphie. années soixante correspondent à la période de la guerre froide, lorsque le monde a connu la menace d'un éventuel affrontement nucléaire entre les pays capitalistes et communistes. À ce moment-là, la gauche radicale comptait de nombreux adhérents dans les rangs de l'intelligentsia occidentale, Mais les crimes terribles qui se sont produits à l'intérieur des pays commençaient également à être connus. communistes. En plus de prendre l'image d'artistes établis et d'intervenir sur leurs techniques de reproduction, Warhol avait également l'habitude de prendre l'image de figures publics non artistiques et les a intégrés au panthéon » des icônes pop, soit pour souligner leur consécration, soit pour ironiser et transgresser les importance. Un événement politique a suscité chez Warhol l'intérêt de représenter le leader du communisme chinois rien qu'en 1972, toujours dans le contexte de la guerre froide, le président Richard Nixon a décidé de se rendre à Pékin afin de se rapprocher de la Chine et d'ouvrir un processus de pourparlers. Warhol verrait dans cette démarche une opportunité artistique. Il a pris l'image du célèbre livre rouge, l'a reproduit et est intervenu. À ce moment-là, Warhol avait déjà fait de même avec des personnalités du monde politique telles que Jackie et J. F. Kennedy, Che Guevara. Le crâne Le crâne. Sérigraphie et acrylique sur toile. les années 70 Warhol a développé une série de crânes Crânes en appliquant les techniques qu'il avait déjà développées au cours de la décennie précédente. Warhol étant un artiste concentré sur les icônes de la pop, il a attiré l'attention des critiques lorsqu'il a sorti cette série. Les experts ont développé différentes explications pour comprendre l'apparition de ce thème dans le contexte pop de l'artiste. L'une de ces explications est basée sur un événement de la vie de Warhol qui s'est produit en 1968. Cette année-là, Warhol a été victime d'une attaque à l'arme à feu aux mains de l'écrivain féministe Valérie Jean Solanas, qui souffrait alors de schizophrénie. L'attaque a laissé Warhol au bord de la mort. Une autre partie de la critique attribue cette série au simple » besoin de représenter la condition humaine sous le seul aspect qui soit vraiment universel la possibilité de la mort. La Naissance de Vénus d'après Botticelli La Naissance de Vénus d'après Botticelli. Sérigraphie. Warhol avait conscience de quelque chose, c'est que non seulement les icônes pop perdent leur sens après la réitération exacerbée dans les médias de masse. Le vidage du sens n'est pas exclusif aux masses. De la culture élitiste aussi le sens se perd, il s'estompe grâce à la simple répétition du signe vidé de son contexte. C'est ce qu'atteste sa série La Naissance de Vénus d'après Botticelli. À propos d'Andy Warhol Andy Warhol photographié par Jack Warhol 1928-1987 est né aux États-Unis dans une famille d'origine slovaque. Il est connu pour son travail en tant qu'artiste plasticien et cinéaste, en particulier pour faire partie du mouvement pop art o pop Art, ainsi que des artistes tels que Robert Rauschenberg, Jasper Johns et Roy Lichtenstein, entre autres. De plus, Warhol a été le promoteur de différentes figures de l'art des années 70 et 80 comme Jean Basquiat. Depuis son enfance, il souffrait d'une maladie connue sous le nom de danse San Vito, qui l'obligeait à passer de longues périodes de repos, temps dont il profitait pour développer sa créativité. La mort prématurée de son père signifiait une enfance de pauvreté, alors Warhol s'est mis à devenir un homme riche dans sa maturité, tout comme il l'a fait. Warhol était un artiste controversé, en raison de différents aspects, parmi lesquels on peut compter L'incorporation des symboles de la culture de masse dans le circuit des beaux-arts. L'utilisation de techniques de reproduction en série remettant en cause le concept de l'original dans l'art. Démystification de l'idée que seul un processus de création ardu et long donne de la valeur à l'œuvre d'art. Une compréhension du monde de l'art dénuée de son aura mystique pour reconnaître son caractère marchand, nié par les discours traditionnels. Tous ces aspects promus par Warhol juste dans le contexte de la guerre froide signifiaient une transformation importante dans l'orientation des intérêts artistiques de son temps. Warhol fait ressortir l'omniprésence de la culture de masse et de l'industrie culturelle, et en profite pour se catapulter socialement et économiquement. Ainsi, alors que son œuvre était un grand discours ironique sur les incohérences sociales, il est lui-même volontairement devenu une icône de la pop. La solution à ce puzzle est constituéè de 6 lettres et commence par la lettre P CodyCross Solution ✅ pour ANDY WARHOL EST LA FIGURE DE CE MOUVEMENT de mots fléchés et mots croisés. 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CODYCROSS Casino Solution 266 Groupe 3 Similaires Avant les médias, il y avait une limite physique à l’espace qu’une personne pouvait occuper toute seule »En 1967, une des figures du mouvement, Richard Hamilton, définira le pop Art dans une lettre adressée à ses amis architectes Peter et Alison Smythson le pop Art est populaire conçu pour un public de masse, transitoire solution de court terme, consommable facilement oublié, low cost, produit en grande série, jeune et centré sur la jeunesse, drôle et plein d’esprit, sexy, astucieux comme un gadget, glamour et big business ».Faut-il voir dans cette esthétisation de l’objet, cette stylisation du quotidien et cette exaltation de l’opulence une des premières manifestations de la postmodernité dans l’art ? Nombre d’œuvres de Andy Warhol illustrent bien cette forme de cynisme à nourrir l’illusion de bonheur et de complétude dans l’objet de consommation. Acheter est plus américain que penser »Le Pop Art joue sur l’ambivalence quand Andy Warhol affirme qu’il ne croit pas au rêve américain mais qu’en revanche il entend en tirer profit, finalement est-ce une manière de dire que la lucidité ne protège en rien et que l’on échappe pas à ce discours postmoderne qui prétend lever l’incomplétude irréductible qui spécifie d’être humain, l’inadéquation du sujet désirant à l’objet de jouissance ? Dans la société de consommation, le manque n’est plus référé à ce qui manque au sujet, la cause du désir ne s’inscrit plus dans le manque subjectif mais dans l’objet réel. Le Pop Art se joue-t-il de ce que le philosophe Marcuse qualifiiait de réification totale dans le fétichisme total de la marchandise ? Le Pop Art est-il un symptôme, un cynisme, une critique ? Question qui reste sans réponse la meilleure manière d’activer la nouveau réalisme des années 60, reprenant les inspirations et les codes du Pop Art, renouvellera le langage esthétique dans le sens d’une approche plus frontale de la société de consommation, prenant un parti pris plus radical que le pop Art américain, lequel reste ambivalent dans sa prétention critique.

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